Compte-rendu de la séance du mardi 5 mars : Littérature et histoire à l’heure du rock. Musique et histoire

 

Jimi Hendrix avec à la main des albums de blues

Secrétaires de séance : Eléonore Cotton, Anne-Charlotte L’Homel.

Invités : Hervé Mazurel (Musicien et historien, université d’Orléans), Lydie Salvayre (Écrivain), Jérémy Grasso (Musicien).

Répondants : Florence Tamagne (Maître de conférences en histoire contemporaine, Lille III).

L’originalité de cette séance a été récompensée par un nombre de participants plus important que d’habitude, signifiant l’intérêt grandissant des étudiants et professeurs pour des sujets moins conventionnels, à tout le moins peu universitaires. Même si les universités commencent à s’ouvrir à de tels sujets, les choses sont loin d’être gagnées. Il faut noter que le changement progressif d’intérêts peut être dû, sans doute, à un changement générationnel (comme l’a fait remarquer Hervé Mazurel en début de séance). Les invités n’en étaient pas moins différents les uns des autres, ce qui a permis la richesse d’un échange que nous souhaitons partager.

De gauche à droite : Jérémy Grasso avec sa guitare, Lydie Salvayre et Hervé Mazurel

 

Intervention d’Hervé Mazurel : l’individu et le groupe.

Une fois n’est pas coutume : un historien musicien

Musicien autodidacte et historien depuis 10 ans environ, Hervé Mazurel a longtemps séparé ces deux univers sociaux peu ressemblants, provoquant en lui « une sorte de petite schizophrénie », nous a-t-il dit en souriant, qui ne s’est pas du tout ressentie lors de cette séance, rassurons-le. Elève d’Alain Corbin et de Stéphane Audoin-Rouzeau, il s’est spécialisé dans l’histoire du corps et des affects, ce qui lui a permis de comprendre, plus tard dans sa pratique de musicien, certaines réactions et identités des différents groupes rencontrés. Après avoir fait partie du groupe Jack the ripper, groupe créé en 1995 de huit musiciens tous autodidactes mais défait après trois albums en 2007, c’est ensuite à un autre projet que se sont consacrés les musiciens du groupe, appelé The Fitzcarraldo sessions, en coopération avec d’autres groupes et d’autres voix tels que Moriarty, Syd Matters, Dominique A, Tindersticks, etc. Ce nouveau projet, dont est sorti l’album We hear voices !, eut un joli succès et fut médiatisé rapidement grâce à un effet boule-de- neige qui est allé bien au-delà des espérances initiales des musiciens. Ce projet, qui présente une myriade de chanteurs, a ainsi permis au groupe initial d’ouvrir portes et fenêtres après 15 ans d’une collaboration quelque peu recluse et d’explorer des zones jusqu’alors inconnues, loin des habitudes et du confort traditionnel.

 

De l’ « estrangement » : origine d’un éclat

La formation en sciences humaines d’Hervé Mazurel a commencé, pour la première fois, d’œuvrer dans sa musique, l’engageant dans une pratique de musicien plus réflexive, décryptant les liens identitaires qui s’étaient créés et ceux qui se sont révélés dans ce nouveau projet, dans ce dépaysement sonore, musical et poétique provoqué par ces rencontres en musique et les métissages qui en résultèrent. Ce fut pour lui un espace de réflexion sur la naissance progressive d’une culture de groupe (avec ses rêves et mythes partagés, ses positions, ses hiérarchies, ses tabous, etc.) et sur les effets souvent réificateurs du temps. Dans les échanges musicaux et hybridations sonores suscités par ce projet se manifeste en effet l’inconscient culturel inhérent à chaque groupe. D’où, dans ces effets d’ « estrangement », chers à Carlo Ginsburg, la révélation des habitus propres à chacun et qui, parfois, les empêchent proprement de se renouveler. Par exemple, le rapport à l’écriture : le chanteur de Syd Matters est ainsi arrivé un jour avec un texte à trou que les musiciens devaient compléter, alors que les musiciens de l’ancien groupe Jack the ripper restèrent presque interdits, tant, pour eux, le texte était demeuré jusqu’alors le domaine réservé du chanteur. De même, avec les Moriarty, « l’impossible devient souvent possible et enivrant » explique notre musicien, surtout dans leur habitude d’enregistrement à « la vieille école », c’est-à-dire tous ensemble – même à douze – dans la même pièce ; ou encore la réconciliation avec la langue française que Dominique A a provoqué chez eux, après une quarantaine de chansons écrites dans la seule langue de Shakespeare. D’un emprisonnement mental aux positions réifiées, aux frontières définies, d’un espace relationnel hiérarchisé, ces rencontres ont en quelque sorte « libéré ce que le temps avait figé », selon l’expression d’Hervé Mazurel, mettant en question, sinon faisant éclater, cette culture commune, laquelle se trouvait cette fois obligée de s’ouvrir à d’autres manières de faire et à d’autres imaginaires. Cerner l’identité d’un groupe, c’est donc, selon lui, se mettre en quête de la configuration du cherché et du refusé, du fascinant et du repoussant, de l’agréable et du désagréable en son sein, tant d’ailleurs dans l’expérience musicale qu’humaine. C’est d’abord cela qui fait, à ses yeux, la marque de fabrique du groupe, son identité propre. Malgré un « sentiment d’imposture » dû à son autodidaxie qui l’a longtemps fait se considérer comme un « musicien du dimanche », face à un monde professionnel de spécialistes à la formation souvent classique, il faut croire qu’Hervé Mazurel et son groupe ont su jouer de cette « faiblesse » pour en faire une véritable force.

 

Pouvoir et domination

Dans la discussion, Florence Tamagne a fait émerger plusieurs questions en commençant par celle des rapports de pouvoir au sein d’un groupe, qui sont évidemment permanents. Comme l’a expliqué Hervé Mazurel, chaque personnalité cherche à occuper l’espace. A sa manière. Puis il a été question de la culture masculine et de sa prégnance dans le groupe, d’où des rapports de domination qui ne disparaissent pas pour autant lorsqu’une présence féminine intervient, même si, dans un premier temps, elle semble « tout faire changer », plongeant ce monde masculin dans un univers de séduction/domination – ce dont Hervé Mazurel a tout à fait conscience, de par son statut d’historien et sa propension à une pratique plus réflexive.

 

Histoire et musique : une réconciliation ?

A côté de livres d’histoire et d’un EP en préparation, Hervé Mazurel s’est également attelé, à ses heures restantes, à un projet plus littéraire, à l’écriture d’un court livre réflexif sur son expérience de musicien rock et sur ces liens étranges et souterrains qui tissent les membres d’un groupe. Il souhaite, qui plus est, par là aider à ce que le rock trouve aujourd’hui toute sa place en histoire, considérant qu’il est un objet d’histoire politique, sociale et culturelle tout à fait légitime pour les vingtiémistes. Que lui a apporté la musique ? Que peut apporter la musique à la littérature et qu’enseigne-t-elle à l’historien? Là est toute la question, posée par Dominique Dupart. Que serait un historien si son modèle poétique était le musicien ? Quel type d’historien est le musicien ? Et Hervé Mazurel de répondre ainsi : « Je me suis rendu compte petit à petit de l’effet de la musique sur ma manière d’écrire l’histoire ; cela m’a donné, semble-t-il, une pulsation un peu différente dans l’écriture, une respiration dont je n’avais pas pleinement conscience et dont on me fit remarquer qu’elle venait sans doute de ma pratique musicale. Il est vrai que je cherche très longtemps le rythme juste de mes phrases. Je suis souvent obligé de les lire à haute voix, sans quoi je suis incapable de dire si c’est bien ponctué et donc d’y mettre un terme. » Ce que la musique peut apporter aux historiens du sensible, c’est aussi une certaine manière d’appréhender les affects, de travailler sur le sensible, puisque les musiciens sont en quelque sorte des professionnels des affects, de leur structuration et de leur dramaturgie. Mais les mots ici sont souvent plus pauvres que les mouvements de la musique elle-même…Reste pourtant à faire entrer la musique dans l’histoire, à faire que l’histoire prenne en compte ces affects et ce sensible, à faire du rock un objet d’histoire à part entière, à enseigner dans les universités.

 

Chanson « Alice and Lewis » de The Fitzcarraldo Sessions (avec les Moriarty) :

01 Alice And Lewis

Pour en découvrir encore plus :





Intervention de Lydie Salvayre : Le lyrisme rock ou le renouveau de la « pédale wawa ! »

Lydie Salvayre est écrivain. Elle a pris la parole afin d’interroger la notion du lyrisme par rapport au rock. Son hypothèse est qu’un nouveau lyrisme a pu émerger au XXe siècle grâce au rock, après le néant d’après-guerre qui a violemment contesté cette notion littéraire. Comment se caractérise ce lyrisme rock d’après Lydie Salvayre ? Comment le traduit-elle dans son roman, Hymne, une œuvre dédiée à la figure de Hendrix ?

 

Quelles sont les racines du lyrisme rock ?

Par définition le lyrisme est une notion vague et vaste qui rassemble plusieurs idées acquises au cours de son évolution historique. Le lyrisme qualifie l’expression singulière et subjective d’un auteur qui dit « je » afin de s’épancher et parler des tourments de l’âme. Son dire vise un idéal de beauté destiné à transmettre une émotion.

Le sommet historique du lyrisme est le Romantisme au XIXe siècle. Mais c’est aussi à cette époque que commence à s’élever la contestation. Il faut se souvenir de Flaubert et de sa Madame Bovary. Le coup le plus dur porté au lyrisme est exécuté par Bataille : pour cet auteur, l’amour est sombre, noir, tragique et l’érotisme est synonyme de souillure, d’abîme, surtout après-guerre. L’homme est la cruauté, le mal. Il ne peut adhérer au grand sentiment, au sublime. Haine de la poésie est un de ses essais illustrant cette vision du monde et de l’art. Il y a impossibilité du lyrisme dans sa pensée.

 

Quelles sont les caractéristiques du lyrisme rock ?

Au moment où la tendance à l’objectivisme fait disparaître totalement l’individu dans la conception artistique du Nouveau-Roman, le rock voit le jour. C’est un genre musical qui explose aux Etats-Unis et en Europe. Les figures fondamentales de ce genre apparaissent, des noms qui reviennent régulièrement dans la bouche des intervenants : Hendrix, Zappa, etc.

Les textes des chansons peuvent être dotés de lyrisme par leur thème. Il s’agit le plus souvent d’histoires amoureuses dans leurs variantes classiques : l’amour malheureux, l’amour impossible ou autre. En quoi le lyrisme rock se distingue-t-il du lyrisme traditionnel ? Ces chants sont écrits dans une langue qui n’est pas habituée au lyrisme.  Le vocabulaire très trivial pourrait même détourner le sentiment vers le vulgaire. Exemples : Situations terre-à-terre : « J’ai reçu ta lettre au moment où la poignée de la porte s’est cassée, pas de bol ! » ; ou injections sexuelles : « Je me fous de tes mièvreries, fais moi des cochonneries » (« Dirty love », dans l’album Over-Nite sensation de Frank Zappa). Cependant, même si le trivial menace le lyrisme, il se déploie dans un besoin express du spirituel. Ce besoin du spirituel élève le propos et crée des images propres à une forme de lyrisme. Exemple : « Je voudrais regagner le territoire des esprits » (Hendrix).

Le lyrisme rock existe donc à travers ces allusions spirituelles. Allusions toujours corrigées par un besoin de réalité, de sarcasme, d’ironie et de trivialité. La mièvrerie qui caractérise le lyrisme classique dans les reproches de Flaubert ou de Bataille est corrigée. Le principe de réalité fait apparaître le monde extérieur, il n’est plus question de s’enfermer dans la subjectivité. Le lyrisme ne tourne plus le dos aux choses, il les possède entièrement. C’est pour cela que l’on entend des coups de fil, la radio, des klaxons, etc. dans les chansons.

Au-delà des paroles elles-mêmes, le lyrisme est traduit par le son des instruments ou même par les modulations de la voix du chanteur ou de la chanteuse. En effet, la guitare peut imiter la modulation d’un rire, d’une lamentation, d’un pleur, de la fureur, d’un hurlement. Quant à la voix, elle peut rendre sublime les mots les plus triviaux par son exercice.

 

Quelle est l’application du lyrisme rock dans Hymne ?

Lydie Salvayre est l’auteure de Hymne, un roman sur le lyrisme rock à travers la figure d’Hendrix. Elle met en valeur ce chanteur rock qui incarne également la figure du bluesman, d’où sa propension naturelle au lyrisme.

Le lyrisme d’Hendrix est lavé de tous les reproches que Bataille avait fait au lyrisme classique avant et après-guerre. Il n’y a plus de coquetteries narcissiques, plus de « je » exclusif depuis que le rock l’a renouvelé dans les années 60 et 70. C’est la renaissance du lyrisme sous une forme adaptée à l’époque. Le lyrisme rock se construit contre la fadeur de l’existence et l’absence de soi. C’est une protestation contre la non-existence, protestation  marquée par la musique rock elle-même.

Il faut noter une expression étonnante et intéressante sur la nature lyrisme formulée par Dominique Dupart qui intervient en affirmant à Lydie Salvayre : « Ce que vous faites, c’est un peu de la pédale wawa en littérature! », entendant par là qu’elle suscite l’émotion avec son nouveau lyrisme, émotion pouvant conduire aux larmes.

 

Une lecture de Hymne, par Lydie Salvayre : Lecture de Hymne

 

Lors de la discussion, plusieurs questions sont venues creuser cet état de renaissance du lyrisme. La première porte sur la rupture qu’entretient le lyrisme rock avec le lyrisme historique. Elle se formulait en ces termes : « Vous décrivez là la séduction du lyrisme rock. Mais comment un lyrisme peut-il être ironique ou décalé ? Comment le lyrisme peut-il exister en dehors de sa définition ? Le rock ne serait-il pas plutôt du côté de Flaubert ? » A cela, Lydie Salvayre a répondu que si les paroles ne sont pas lyriques à cause du décalage qu’entretient le principe de réalité, peut-être peut-on supposer que c’est la musique qui donne toute sa force au lyrisme. Ce serait l’influence de la mélodie sur les paroles qui créerait le lyrisme. Partant de là, on peut même dire que dans la voix même du chanteur ou de la chanteuse, le lyrisme peut résister. Il est présent dans la manière de chanter les trivialités, dans la manière de progresser dans la chanson. Ainsi, le lyrisme rock peut être instrumental ou vocal plutôt que textuel. Il se crée alors un jeu constant de rupture entre le lyrisme et le contre-lyrisme. C’est ce qui fait toute la richesse et la singularité du lyrisme rock.

La deuxième question portait sur l’écriture de Hymne. Quelqu’un s’est demandé si les décalages et les ruptures de ton semblables à ceux du rock avaient été travaillés dans l’écriture de l’ouvrage. Lydie Salvayre a répondu par la négative, affirmant qu’elle avait pris le parti inverse. Elle voulait faire de grandes phrases et user du bien-dire sans mimer parfaitement le rock avec le vocabulaire argotique. Mais elle avoue également que la phrase se trouve rompue régulièrement. Son ouvrage est la voix littéraire du lyrisme rock.

Hypothèse finale de Dominique Dupart : L’emploi du mot lyrisme conditionne toute interprétation. C’est un mot qui charrie une histoire, des débats, des polémiques. Il est chargé de tous ces sens polémiques et se trouve problématique. Mais on ne cesse pourtant de l’utiliser, entretenant une pratique ou un discours qui a un rapport constant avec le passé. Ce rapport au passé est toujours un rapport paradoxal, un  rapport de détestation. On a affaire à un terme très cadré. Il détermine les formes de la subversion qui en définitive, dans ce cadre, paraissent très cadrées. Ces cadres épistémologiques que l’on connaît par cœur explosent dans l’œuvre, dans la chanson. Ils se brisent dans la performance.

 

 

Intervention de Jérémy Grasso : Le blues

Un bluesman

Musicien, spécialiste du blues, Jérémy Grasso nous a emportés dans son univers de bluesman des temps modernes. Après un bac agricole et des entraînements de plusieurs heures en cachette dans une petite pièce de son internat, Jérémy Grasso décide de se consacrer pleinement à la musique. Après plusieurs années en tant que guitariste à Grenoble, il passe du rock au jazz, du jazz au blues, « remontant le Mississippi » comme le dirait Mélanie Traversier. Il est aujourd’hui membre du groupe Red Eyes qui joue surtout sur Paris. On pourra le retrouver prochainement dans le cadre du festival de jazz de Paris : pour l’ouverture le 19 avril à la Ferronnerie (Paris 12) en hommage à Memphis Slim et pour la fermeture le 25 avril.

 

La mélancolie du « paria » ?

Guitare à la main, Jérémy a commencé à nous expliquer sa passion pour le blues, alternant détails précis concernant l’écriture de cette musique et ressentis personnels. Jérémy tient beaucoup à cette citation de Robert Frip : « La différence entre le bruit et la musique c’est l’intention. » qui, selon lui, marque toute la nature de la pratique musicale. Le blues est une musique très rythmique, une « musique d’alexandrins » comme il l’appelle, blues de 12 mesures, dont le panel de possibilités était plutôt pauvre avant les années 1930 mais qui s’élargit aujourd’hui (peut-être grâce au rock, qui vient du blues certes, mais qui, travaillant de multiples possibilités et échappant au blues, lui permet peut-être de faire un retour sur soi… ?). Le blues est une musique qui peut se faire mélancolie ou rire, elle transmet une émotion forte. Cette musique est construite sur un système de questions/réponses, trouvant son origine dans les « call and respons » des esclaves noirs dans les champs de coton. Le blues est encore enfermé aujourd’hui dans son histoire de l’esclavage comme l’atteste le fait qu’il reste encore de nos jours considéré comme un « folklore » aux Etats-Unis. C’est sans doute la raison pour laquelle cette musique est encore celle de minorités, de « parias » ose même dire Jérémy, face au rock qui, bien que puisant son origine dans le blues, « connaît un succès plus large » et une évolution plus radicale parfois.

 

Quel est l’héritage historique du blues ?

Lors de la discussion suivant son intervention, Jérémy est relancé sur la question d’une recherche de reconnaissance et sur une possible actualisation du blues. Il explique que le blues peint la réalité, que ses paroles sont intemporelles. Elles touchent nécessairement un pan de notre société, pour peu qu’on veuille bien l’écouter, car la misère était et sera, même s’il admet que, pour certains, le rap est considéré comme le blues moderne : il dépeint à sa manière cette même réalité. Mais Jérémy insiste surtout sur le fait que le blues est une musique remplie d’histoire qui a toute sa place dans notre actualité. Pour notre musicien, c’est parce qu’il est traditionnel qu’il en devient plus moderne. Le blues reste une main tendue entre un monde ancien et un monde moderne. Le blues séduit par la liberté survivant à la contrainte. Hervé Mazurel lui fait tout de même remarquer que le blues est néanmoins plus mélodique qu’harmonique. Il ressent personnellement les exigences du blues comme un carcan qui enferme, presque comme une prison. Pourtant, nous avons pu effectivement goûter à cette liberté créatrice et à ces accents d’histoire dans l’improvisation que nous a proposée avec bonheur Jérémy Grasso. Merci à lui !

 

Tel Hendrix :

Un détail est remarqué par Mélanie Traversier : Jérémy est gaucher comme l’était Hendrix. C’est l’occasion de faire un point histoire sur la guitare pour gaucher que possède Jérémy. L’adaptation de cet instrument aux gauchers est plutôt récente. A son époque Hendrix jouait sur une guitare de droitier aux cordes inversées. Le monde de la musique évolue et s’adapte, monde en perpétuelle transformation, en perpétuel renouvellement.

Une improvisation musicale, par Jérémy Grasso : Improvisation de Jérémy Grasso

 

Jérémy Grasso, en pleine improvisation

Conclusion :

Cette séance entraînante sur le rock se finit sur la note mélancolique du blues et la performance improvisée de Jérémy Grasso. Nous nous souviendrons de cette promenade dans les noms et les mélodies proposées par nos trois intervenants : Hervé Mazurel, Lydie Salvayre et Jérémy Grasso, intervenants sympathiques que nous remercions pour leur participation.

 De ces interventions, on retient que l’histoire du rock nous livre de nouveaux poètes. Le lyrisme se renouvelle dans le rock ou le rock renouvelle le lyrisme. Pourtant cette écriture est paradoxale, elle écarte et ramène la voix de la littérature dans le même mouvement. Lydie Salvayre nous livre tout ce paradoxe dans son ouvrage, Hymne. L’histoire lie la littérature et la musique dans un renouvellement commun.

Des pistes de réflexions s’ouvrent à nous sur le lien entre musique et histoire. Tout d’abord : Quel type d’historien est un musicien ? Qu’est ce que l’histoire peut enseigner aux musiciens ? De tout ce qui a été dit et de tout ce qui a été montré, on peut considérer que les patriciens de la musique sont des sortes d’historiens : ils ont un rapport à l’histoire dans la pratique de leur art. Dans la tradition qu’ils connaissent il y a des voies d’innovation qui leur apparaissent, des voies qu’ils recherchent et construisent par rapport au passé. C’est la pratique Jérémy Grasso. Ensuite : Qu’est ce que la musique enseigne aux historiens ? La musique a changé la manière d’écrire d’Hervé Mazurel. Il cherche le rythme de ses phrases, leur donne un rythme particulier, un rythme qui change sa manière de dire l’histoire. Pour finir : Que serait un historien si son modèle de recherche était le musicien ? La musique apparaît comme un moyen de travailler les affects. Les affects sont difficiles à aborder par les mots de l’historien. Le musicien-historien est un professionnel de l’affect, il aurait quelque chose à enseigner là-dessus car il est capable de le reproduire dans son art.

Le mot de la fin : « La musique rend… plus indien » (en référence à Nietzsche). Ce que cela veut dire, personne ne le sait vraiment. Mais l’on perce un appel à des rythmes plus sauvages, plus libres, plus intenses. C’est la libération, ce pourrait être la contestation du rock dans une société moderne aux carcans profonds.

 

Anne-Charlotte L’Homel et Eléonore Cotton

8 et 9 avril : Représentation de l’histoire III – Cinéma et histoire

Représentation visuelle de l’histoire III – Cinéma et histoire

 

Mardi 9 avril 2013

17h-19h30

 

Maison Européenne des Sciences de l’Homme et de la Société, Lille

Salle 2

 

 

Extrait de Tahrir, place de la Libération, film de Stefano Savona

 


Secrétaires de séance : Valentin Vouriot et Romain Bohet.

Invités : Antoine de Baecque (Historien, critique de cinéma), Stefano Savona (Réalisateur), Dork Zabunyan (Maître de conférences en études cinématographiques à l’université de Lille 3).

Répondants : Stéphane Cattalano (CPGE Lettres, option cinéma, lycée Faidherbes de Lille) et Djemaa Maazouzi (Conseil de Recherches en sciences humaines, laboratoire Alithila, Lille 3)

 

Le 8 avril, pour préparer le séminaire :

Projection de Tahrir – Place de la libération, entre 10h30 et 12h, salle A2 538

(partie extension du bâtiment A, 1er étage – Université Lille 3).

 

 

Antoine de Baecque – Cinéma et Histoire, à partir de Caché de Michael Haneke

Bio-bibliographie : Historien et critique de cinéma, notamment aux Cahiers du cinéma, dont il a été rédacteur en chef (1997-1999), puis à Libération, dont il a dirigé les pages culturelles (2001-2006), Antoine de Baecque s’intéresse plus particulièrement à la Nouvelle Vague. Après une Histoire des Cahiers du cinéma en deux volumes, il publie, avec Serge Toubiana, une biographie de François Truffaut (1996, Gallimard), puis, en 1998, un essai d’histoire culturelle, La Nouvelle Vague, portrait d’une jeunesse (Flammarion). Suivent, en 2003, une étude historique : La Cinéphilie. Naissance d’un regard, histoire d’une culture (Fayard) ; en 2008 une synthèse : L’Histoire-caméra (Gallimard) ; en 2010 une autre biographie : Godard (Grasset). Le long-métrage documentaire qu’il a écrit (réalisé par Emmanuel Laurent), Deux de la vague, sur l’amitié entre Truffaut et Godard, est sorti en salles en janvier 2011. Il a également consacré des études et essais à Tim Burton, Manoel de Oliveira, Andreï Tarkovski, Maurice Pialat ou Jean Eustache, et dirigé en 2012 le Dictionnaire de la pensée du cinéma au PUF. Antoine de Baecque est professeur d’histoire du cinéma à l’université de Paris Ouest Nanterre.

 

À voir pour préparer l’intervention : Caché de Michael Haneke (2005). De courts extraits seront diffusés au cours de la séance.

 

 

Stefano Savona – Place Tahrir, janvier 2011. Filmer la naissance d’une révolution

Bio-bibliographie : Stefano Savona est né à Palerme en 1969. Il a étudié l’archéologie à Rome et il a participé à plusieurs missions archéologiques au Soudan, en Égypte, en Turquie et en Israël. À partir de 1995, il a travaillé comme photographe indépendant ; depuis 1999, il se consacre à la réalisation et à la production de films documentaires et d’installations vidéo (parmi celles-ci, D-Day (2005) au Centre Pompidou).

Son long-métrage Carnets d’un combattant kurde (2006) a reçu le Prix International de la SCAM au Cinéma du Réel et une nomination aux David di Donatello.

Son film Plomb durci (2009), a été présenté au Festival International du film de Locarno dans la section Cinéastes du présent où il a remporté le Prix Spécial du Jury.

Il est à l’origine d’un projet d’archives audiovisuelles sur la civilisation rurale sicilienne, Il pane di San Giuseppe (Le pain de Saint Joseph), sur lequel il travaille depuis trois ans.

Il fonde en 2010 à Paris avec Penelope Bortoluzzi la société de production Picofilms. Il est le producteur et le réalisateur principal de Palazzo delle Aquile (Grand Prix du Cinéma du Réel 2011, Sélection de l’ACID, Cannes 2011).

Son dernier film, Tahrir Place de la Libération, a été présenté au festival de Locarno, au New York Film Festival, à la Viennale et à bien d’autres festivals. Il est sorti au cinéma en France le 25 janvier 2012 et a obtenu en Italie le David di Donatello du Meilleur Documentaire de l’année 2011.

 

Quelques films :

Tahrir, Place de la Libération (2012 en France)

Palazzo delle Aquile (en salle en juin 2013)

Spezzacatene (L’orange et l’huile) (2010)

Plomb Durci (Cast Lead) (2009)

Carnets d’un combattant kurde (2006)

Dans le même bateau (2006)

Un Confine di Specchi  (Une frontière en miroirs) (2002)

Siciliatunisia (2000)

Roshbash Badolato (1999)

 

À voir pour préparer l’intervention : Tahrir Place de la Libération de Stefano Savona (2012).

 

 

Dork Zabunyan – Images de la révolution et stéréotypes du révolutionnaire

Bio-bibliographie : Dork Zabunyan est maître de conférences en études cinématographiques à l’université de Lille 3. Il est l’auteur de Foucault va au cinéma (avec Patrice Maniglier, Bayard, 2011), et a consacré plusieurs articles aux images des soulèvements arabes dont : « Soulèvement des peuples et images impersonnelles » (Cahiers du cinéma, n°667, mai 2011) et « Mal de fiction et passages de l’histoire (Trafic, n°82, été 2012).

 

Résumé de l’intervention : Les soulèvements arabes de l’année 2011 ont donné lieu, dans l’après-coup des événements, à des films de toutes sortes : plusieurs documentaires, quelques fictions, des séquences postées sur internet en très grand nombre. Un écueil semble guetter ces images dans leur ensemble, par-delà leurs différences manifestes : celui de reproduire la figure du révolutionnaire type. La transformation des acteurs de ces soulèvements en héros (qu’ils soient anonymes ou pas) constitue l’une des opérations par lesquelles ce stéréotype s’affirme au niveau des films. En résulte un folklore des luttes qui nuit aussi bien à sa représentation en images qu’à la mémoire que nous pouvons en avoir.

 

 

Djemaa Maazouzi (répondante)

Bio-bibliographie : Djemaa Maazouzi, titulaire d’un PH.D en Littératures de langue française de l’Université de Montréal (avec une thèse de doctorat intitulée « Scénographies mémorielles et figurations médiatiques de la guerre d’Algérie »), est actuellement chercheure postdoctorale du Conseil de recherches en sciences humaines du Canada (CRSH) au Laboratoire ALITHILA de l’Université Charles-de-Gaulle – Lille 3. Coordinatrice scientifique du Centre de recherches intermédiales sur les arts, les lettres et les techniques (CRIalt) de l’Université de Montréal de 2009 à 2012, elle a organisé plusieurs colloques et ateliers internationaux et publié des textes dans des revues telles Études françaises, Cinéma & Cie, Théorème, Médiation et information (MEI) ou encore la Revue des sciences sociales.

Dimitri Julien

Doctorant contractuel avec mission d'enseignement en Langues et littérature françaises (Lille 3) ; bibliographe et en charge de l'iconographie pour la revue Écrire l'histoire

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2 avril : Dire la catastrophe

Dire la catastrophe

 

Mardi 2 avril 2013

17h-19h30

 

Maison Européenne des Sciences de l’Homme et de la Société, Lille

Salle 2

 

Le tremblement de terre de Lisbonne, 1755 – Illustration d’époque

 

Secrétaires de séance : Dimitri Julien et Eléonore Cotton.

Invités : Brice Gruet (Maître de conférences en géographie à l’université Paris-Est Créteil), Camille de Toledo (Ecrivain, vidéaste, musicien et photographe), Dominique Viart (Professeur en Littérature française, Lille III).

Répondants : Yves Baudelle (Professeur en Littérature française, Lille III).

 

 

Brice Gruet – Comme une icône brûlante : la réalité multiple des volcans italiens

Bio-bibliographie : Brice Gruet est maître de conférences à l’UPEC. Ancien pensionnaire de la Fondation Thiers, il se consacre essentiellement à la géographie historique et culturelle. Ses thèmes de prédilection concernent la ville, le patrimoine et les catastrophes naturelles, en Italie essentiellement et dans le monde méditerranéen en général. Ses recherches actuelles portent le sacré et la modernité. Il travaille pour une habilitation à diriger les recherches sur la protection contre les catastrophes à Naples à l’époque actuelle, et notamment sur l’intercession de san Gennaro. Il est rédacteur et directeur artistique de la revue la Géographie et co-fondateur avec Gilles Fumey du site geographica.net. Brice Gruet a publié la Rue à Rome, miroir de la ville. Entre l’émotion et la norme, en 2006. Auparavant, il a participé à la collection Terre des Villes, chez Belin, notamment sur les volumes consacrés à Naples et Rome. Enfin, un ouvrage sur l’éruption du Monte Nuovo, en 1538, est sous presse au PUBP.

 

Résumé de l’intervention : Les volcans tels que le Vésuve, le Stromboli ou l’Etna font partie intégrante de l’histoire et des paysages italiens et européens depuis l’Antiquité. Ils ont très fortement stimulé l’imaginaire artistique, littéraire et scientifique, jusqu’à nos jours. En rapport avec les volcans d’Europe et du monde, les « montagnes de feu » italiennes brouillent les frontières entre raison et déraison, rêve et explication, art et science ou même nature et culture. C’est cet entre-deux qui servira de point d’appui à notre parcours entre plusieurs genres : peinture, littérature, science et philosophie s’entremêlent allègrement pour laisser deviner une « icône brûlante », c’est à dire une image qui se consume comme elle consume l’imaginaire de celui qui la regarde.

 

 

 

Camille de Toledo – La chute de Fukuyama. Un opéra pour une catastrophe

Bio-bibliographie : Né en 1976, Camille de Toledo est écrivain et plasticien. Il a fait ses études à Londres – LSE – puis à New York (Tisch School). Il a publié aux éditions Verticales L’inversion de Hieronymus Bosch (2005) et Vies et mort d’un terroriste américain (2007), qui font partie d’une tétralogie romanesque sur l’ersatz et la duplication du réel. En 2004, il obtient la bourse de la Villa Medicis pour son travail vidéo, Racontez-nous, Anna, et littéraire. Il est l’auteur de trois essais esthétiques et politiques dont Le Hêtre et le Bouleau, essai sur la tristesse européenne (Seuil, 2009). Son travail dans l’entre-des-langues emprunte à plusieurs genres : poème, chant, roman. Camille de Toledo emploie le terme d’« esthétique du vertige » pour qualifier ses écritures. En 2011, il signe Vies pøtentielles (Seuil), un roman fragmentaire où s’affirme le thème de la transmission. L’année suivante, est publié un long poème autour du massacre d’Utøya : L’Inquiétude d’être au monde (Verdier, 2012). Dans son travail de vidéaste et de photographe, Camille de Toledo explore des « strates » de fictions dans lesquelles il excave une forme très picturale. Ses vidéos expérimentales (série du « cinéma pauvre ») ont été présentées à la Femis (2008) et à la Ménagerie de Verre (2012), mais aussi (2002) au Festival de Cannes dans la sélection court-métrage. Cette année, mêlant son travail d’écrivain et de vidéaste, il a imaginé  le livret et les vidéos de l’opéra La Chute de Fukuyama dont la première mondiale a lieu salle Pleyel à Paris le 29 mars 2013.

(Site personnel : http://toledo-archives.net/)

 

 

Résumé de l’intervention : Camille de Toledo évoquera la genèse et la création de l’opéra « La Chute de Fukuyama » (création le 29 mars 2013, Paris) dont il a conçu le livret et les vidéos. La musique est de Grégoire Hetzel.
La Chute de Fukuyama s’impose comme un travail sur l’irreprésentable, la catastrophe et le rapport de l’homme à l’Histoire. Le temps de l’opéra se déploie simultanément avant, après, pendant les attentats du 11 septembre 2001. Entre le rêve d’une paix éternelle et le retour de la guerre, entre la mémoire du 20e siècle et la fiction générale du 21e siècle. Dans plusieurs aéroports du monde, le trafic est interrompu. Les derniers vols se posent. Les voyageurs attendent. Lieux par excellence des flux, les halls d’enregistrement se figent. Les déchets de repas, les rebuts de l’attente s’accumulent. En plusieurs langues, les voyageurs suivent l’Histoire se dérouler au loin, sur les écrans-plasma devant lesquels ils errent. Entre effroi, bégaiement et folie, ils méditent sur les premières années du 21e siècle : années de la guerre, où le réel a pris la forme d’une fiction totale. Ils voudraient agir sur l’Histoire, s’y relier, mais ils ne peuvent rien.

Voir le site : http://chutedefukuyama.com/

 

 

Dominique Viart – Vers une poétique spectrale de l’Histoire

Bio-bibliographie : Essayiste et critique, membre de l’Institut Universitaire de France, professeur à l’Université Lille  3, Dominique Viart co-dirige la Revue des Sciences Humaines. Ses travaux portent sur les écritures narratives et poétiques depuis la Seconde Guerre Mondiale jusqu’à nos jours. On lui doit notamment d’avoir développé l’étude de la littérature contemporaine dans la recherche universitaire française et créé à cet effet plusieurs revues et collections scientifiques, dont Ecritures contemporaines (Minard-Lettres modernes), Perspectives (PU du Septentrion)  et Ecrivains au présent (Bordas puis Armand Colin).

Auteur de livres sur Jacques Dupin, Claude Simon, Pierre Michon, François Bon, le roman au 20e siècle, sur la poésie moderne et sur la littérature contemporaine (La Littérature française au présent, avec B. Vercier, Bordas, 2005, rééd. augmentée 2008), il a dirigé de nombreux ouvrages collectifs parmi lesquels : Littérature et sociologie (avec D. Rabaté et P. Baudorre, 2007) ; Ecritures blanches (avec D. Rabaté, 2009) ; Nouvelles écritures littéraires de l’Histoire (2009) ; François Bon, éclats de réalité, (avec J.B. Vray, 2010) ; La Littérature française du 20e siècle lue de l’étranger (2011).

Viennent de paraître : Fins de la littérature, tome 1 : Esthétiques et discours de la fin ; tome 2 : Historicité de la littérature contemporaine (avec L. Demanze, Armand Colin, 2012) et Ecrire le présent (avec G. Rubino, Armand Colin, 2013).

 

Résumé de l’intervention : La présente contribution voudrait interroger la naissance et le développement, dans la période contemporaine, d’une forme romanesque particulière, que je propose d’appeler « fictions post-apocalyptiques », et dont la littérature donne de nombreux exemples. Contrairement à ce que l’on pourrait croire en suivant le trajet de Volodine, elle n’aurait pas sa seule source dans un certain usage de la « science-fiction », mais proviendrait d’une manière particulière de dire l’Histoire après les catastrophes du XXe siècle. Récit des camps et terreur atomique s’y combinent à une pratique singulière de l’écriture qui relève de l’image obsédante et de la métaphore cataclysmique telles qu’on les rencontre déjà chez Claude Simon, donnent lieu aux figures erratiques des Pièces de guerre d’Edward Bond et du Théâtre de la mort de Kantor, aux voix errantes de Gaudé (Cris) et de Kermann (La Mastication des morts) et finissent par susciter des fictions entièrement organisées sur ces principes combinés (chez Nicole Caligaris et chez Antoine Volodine par exemple).

Un progressif désancrage de l’Histoire événementielle y signe le double affranchissement du discours des historiens et du roman historique au profit d’une méditation d’une autre nature, a-représentative et délibérément non-réaliste, qu’il s’agira de définir non pas seulement d’un point de vue thématique mais en analysant ce qui relève d’une poétique spectrale.

Dimitri Julien

Doctorant contractuel avec mission d'enseignement en Langues et littérature françaises (Lille 3) ; bibliographe et en charge de l'iconographie pour la revue Écrire l'histoire

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